viernes, 30 de diciembre de 2016

Rogue One: Una Historia de Star Wars

La Madeja del Gato (galáctica e imperial)
Madeja #343
Por Christopher Vergara

Cuando Disney compró Lucasfilm tenía muy claro lo que iba a hacer con la propiedad. No sólo buscaba crear una nueva trilogía que continuara la saga clásica ahora que el tiempo hacia propicio realizarlo. No se iba a conformar con una serie de animación o dos. Iba por expandir en serio y muy en grande el universo. De esa idea nacieron los stand alone films, una serie de cintas ajenas a la narrativa principal de los episodios y que tendrían por objetivo narrar otro tipo de historias.

La primera de esas cintas es Rogue One: A Star Wars Story. Para esta producción Lucasfilm a través de su Presidenta, Kathleen Kennedy reclutó a Gareth Edwards como director. Si ustedes, como yo, se asustaron debido a que fue el encargado de aquel desastre que fue el reinicio de la franquicia de Godzilla, sin duda Edwards nos cayó al demostrar que es bastante buen director. La película contó con guión de Chris Weitz (guionista de Cenicienta y director de Luna Nueva) y Tony Gilroy (escritor de Michel Clayton y la saga de Jason Bourne) basados en una historia de John Knoll y Gary Whitta.

Rogue One se sitúa unos pocos meses antes de Una Nueva Esperanza y en esencia nos muestra como fue que la Alianza Rebelde logró robar los planos de la Estrella de la Muerte. La película nos presenta a Jyn Erso (Felicity Jones), la hija abandonada de Galen Erso (Mads Mikkelsen), un brillante científico que se ve obligado a trabajar para el Imperio Galáctico y donde con el paso de los años se encarga de diseñar la mortífera Estrella de la Muerte. Jyn se ve involucrada con la Alianza Rebelde cuando es contactada por Cassian Andor (nuestro Diego Luna) quien busca utilizar el parentesco de Jyn para conocer más sobre la Estrella de la Muerte rescatando a Galen. Tras reunirse con el rebelde extremista Saw Gerrera (Forest Whitaker) y fracasar en rescatar a su padre, Jyn decide liderar una suicida misión con el objetivo de obtener los planos de la Estrella de la Muerte para lo cual deberá invadir e infiltrar Scarif, un planeta e instalación de alta seguridad bajo el dominio Imperial.

Rogue One es magnánimamente divertida. No sólo cumple su misión de expandir el universo de Star Wars sino que lo hace con una fuerza e inteligencia bárbara entregando una película divertida, emocionante, conmovedora e incluso oscura que además embona con una precisión minuciosa en el universo Star Wars.

Gareth Edwards triunfa en mostrarnos un aspecto no tan explorado de la saga que es la brutalidad y perversidad del Imperio Galáctico. Esta cinta profundiza con bastante éxito mostrando lo malvado y dictatorial que es el Imperio. Debido a que la historia de las otras cintas se desarrolla en altas esferas, nunca habíamos tenido la oportunidad de ver con toda claridad lo despiadado y tétrico que es el Imperio para las personas comunes y corrientes. Esta cinta nos lo muestra y le da mucho más sentido a la apremiante necesidad de destruir al Imperio.

Además nos regala un elenco fantástico. Jyn Erso es una magnifica protagonista que empieza como una mujer resentida y occisa ante las atrocidades que está presenciando pero que rápidamente se da cuenta del momento histórico que esta viviendo y la oportunidad irrepetible que tiene de hacer algo relevante para el bien de la galaxia. Felicity Jones está perfecta al mostrar a esta mujer fuerte, independiente y valiente. Diego Luna también se luce como Cassian entregando un capitán que rompe con los protocolos y decide embarcarse y apoyar a una mujer en la que confía únicamente por que su instinto se lo dice. Donnie Yen como Chirrut Imwe y Jiang Wen como Baze Malbus forman un dúo único tanto en talento para combatir como en gracia y utilidad. Riz Ahmed como el rebelde Bodhi Rook junto con el adorable aunque neurótico K-S2O (con voz de Alan Tudyk) completan la tripulación del Rogue One.

La película tiene un montón de fan service pero es tan buena película que uno no puede más que disfrutarlo y adorarlo. La aparición del Moff Tarkin interpretado por Guy Henry y editado digitalmente para simular a Peter Cushing es una proeza técnica arriesgada y bastante buena (básicamente si parece que revivieron a Cushing).

La cinta tiene un gran momento al presentar a Darth Vader. Una vez más con la magnifica voz de James Earl Jones. Debido a que la película no narra la historia de Anakin como la saga original, esta cinta se da el lujo de mostrarnos a Darth Vader en todo su poder y terror. La escena con el Director Krennic es brillante al mostrarnos ese Vader despiadado y sarcástico que siempre supimos fue. Es muy afortunado tener a Vader de vuelta.

Como no podría ser otra manera, los efectos visuales de la película son muy buenos y recrean a la perfección el ambiente visual que la cinta debe tener y que es muy cercano al de Una Nueva Esperanza debido a que cronológicamente suceden de manera muy cercana.

Rogue One es una divertida, emocionante, y muy bien narrada cinta. Algunos podrán decir que no es esencial pero disfrutar como fue la primera victoria rebelde sobre el Imperio es magnifica y contar con esta historia y este magnifico elenco es genial. Si los demás stand alone van a ser así de buenos, como fan quiero más y más.

Y en la próxima madeja: Review de Please Like Me.

Moana: Un Mar de Aventuras

La Madeja del Gato (que lejos va)
Madeja #342
Por Christopher Vergara

Walt Disney Animation Studios está que arde. Desde que en 2010 sorprendió a las audiencias del mundo con Enredados, el estudio de animación con mayor tradición de Estados Unidos ha lanzado éxito tras éxito animado. En 2016 ya nos regaló Zootopia que fue un éxito económico y de crítica brutal; debido al esquema de trabajo este año nos regaló una segunda película que resultó una completa joya y otro éxito de taquilla y crítica: Moana.

Moana: Un Mar de Aventuras representa el regreso de los míticos John Musker y Ron Clements (La Sirenita, Aladdin) a la silla de dirección tras seis años de ausencia después de La Princesa y el Sapo que aunque fue un éxito de crítica no entusiasmó demasiado a la audiencia. Esta cinta representa su debut como directores de una cinta CGI en su totalidad (ya que El Planeta del Tesoro contó con fondos CGI con protagonistas en animación tradicional). Derivado de el exceso de trabajó en que se vieron absortos durante la producción, la película también contó con Don Hall y Chris Williams, directores de Grandes Héroes como co-directores.

La cinta nos presenta a Moana, la fuerte y determinada hija del jefe de una tribu polinesia a quien el océano elige para que regrese una reliquia mística llamada Corazón del Mar a la isla donde pertenece y donde hace siglos fue robada por un semidios llamado Maui. Cuando la maldición llega a su isla amenazando con destruirla, Moana emprende un viaje épico a través del océano, primero en busca de Maui y una vez que lo encuentra buscando regresar el Corazón a donde pertenece.

Moana continúa con la tendencia reciente en Disney de presentar princesas que rompan con los estereotipos negativos usualmente asociados con las cintas de la compañía. Nuestra protagonista es una joven de raíces étnicas no caucásicas, de un cuerpo mucho más realista y primordialmente una joven inteligente, determinada y valiente que toma riesgos y se lanza al peligro sin pensarlo dos veces y por razones mucho más elaboradas que un hombre. El amor que impulsa a Moana es el amor a su familia y a su pueblo, del cual sabe que debe guiar sus destinos y del cual es orgullosa de sus tradiciones.

No sorprende que la cinta haya recibido criticas tan brutalmente favorables. Moana es un personaje magníficamente construido. Es una joven orgullosa de sus raíces y comprometida con su pueblo. Es arriesgada, desafiante, independiente pero centrada y sensata. Básicamente es un magnifico modelo a seguir para cualquier persona.

La historia es bastante divertida y se encuentra muy bien construida. Quizá el que tiene más problemas es el primer acto pues se siente bastante largo ya que nos introduce a Moana en su niñez y luego la reintroduce en su juventud, cuenta con tres canciones casi seguidas y similares y en general se siente que Moana tarda demasiado en salir de la Isla. El segundo y tercer acto son muchísimo mejores.

Todo el segundo acto es maravilloso. La búsqueda y encuentro de Moana con Maui, su viaje a la Tierra de los Monstruos, su encuentro con el cangrejo, la amistad que surge entre Maui y Moana. Maui es un personaje fantástico, es un compañero que funge como recurso cómico a la vez que es parte vital de la trama y es útil sin robarle foco a Moana. Sobra decir que la amistad que van construyendo Moana y Maui es bien simpática y divertida. El tercer acto donde Moana cumple su misión y encuentra su voz como gobernante es precioso y cierra de gran forma la película.

La animación como siempre sucede con Disney Animation es fantástica y deslumbrante. El diseño de los personajes es muy genial, y los ambientes son hermosos, la isla natal de Moana y el océano son vibrantes. Con Maui tenemos dos momentos donde se rompe con la estética de la cinta y ambos son muy geniales. Por un lado su canción de introducción es acompañada de imágenes exóticas y algo psicodélicas mientras que su viaje a la Tierra de los Monstruos es un derroche de imaginación afortunado.

Las canciones en esta ocasión corrieron a cargo de Lin-Manuel Miranda que hace su debut componiendo para Disney. Miranda esta en los cuernos de la luna tras el brutal éxito de crítica y audiencia que es el musical Hamilton y próximamente lo veremos en Mary Poppins Returns. Junto con Miranda compusieron Opetaia Foa'i quien le puso el sazón polinesio y Mark Mancina quien además se encargó del score.

Cuan Lejos Voy (How Far I'll Go) es obviamente la canción emblema de la cinta y aunque no es Let It Go es un grandioso himno de empoderamiento que refleja el viaje de Moana. Los leit motifs que están presentes en varias canciones son bastante emotivos. Brillo (Shiny) que es la canción del cangrejo y De Nada (You're Welcome) son dos canciones desternillantes que presentan a ambos personajes, siendo en especial muy divertido lo amenazante que se vuelve el número de Brillo conforme conocemos más al personaje. Yo encuentro particularmente conmovedor Yo Soy Moana (I'm Moana) porque es un momento bien fuerte en la cinta donde ella casi tira la toalla, tiene un encuentro tierno con su abuela y finalmente encuentra su valor y fuerza para seguir adelante.

El doblaje a cargo de Ricardo Tejedo con canciones adaptadas por Jaime López y Raul Aldana es otra cosa a reconocer. Sara Paula Gómez Arias, quien hasta hace unos pocos años aun interpretaba a niñas, tiene su primer gran papel como Moana. Su interpretación es preciosa tanto hablada y especialmente como cantada. Gran parte de la razón por la que amé el personaje es lo magnífico que ella lo interpreta. Beto Castillo como Maui también esta divino logrando hacer suyo un personaje que básicamente es Dwayne Johnson animado. Angélica Aragón como la abuela Tala se robó mi corazón con una interpretación dulce y amorosa de su loca y sabia abuela. Finalmente Dan Osorio como Tamatoa el cangrejo está alucinante.

Moana: Un Mar de Aventuras es además una cinta que refleja muy bien el estado actual de Disney Animation (¡hasta en sus directores!) pues logra conjuntar con maestría absoluta los elementos más entrañables y divertidos que representan el estudio de animación con temáticas y personajes frescos y contemporáneos que reflejan el momento que vivimos.

Disney está a cien, ojalá nos dure mucho.

Y en la próxima madeja: Rogue One: Una Historia de Star Wars.

domingo, 27 de noviembre de 2016

Animales fantásticos y dónde encontrarlos

La Madeja del Gato (en el anden 9 y 3/4)
Madeja #341
Por Christopher Vergara

Hay algunas cosas que definen mi vida a lo largo de mis poco más de veinticinco años y Harry Potter es indudablemente una de ellas. La saga creada por J.K. Rowling (a quien no creo sea exagerado definir como la escritora de fantasía más importante de los últimos cincuenta años) es parte fundamental de mi infancia, adolescencia e incluso vida adulta a través de un creativo universo literario lleno de heroísmo, esperanza, fortaleza e integridad. Amo intensamente a Harry Potter y en general todo lo que sale de la prodigiosa mente de J.K. Rowling.

Dicho esto me emocionaba bastante Animales Fantásticos y Dónde Encontrarlos, la nueva franquicia cinematográfica impulsada por Warner Bros. y que tiene su origen en uno de los llamados libros de texto que J.K. Rowling escribió allá por el 2001 (el otro es Quidditch a través de los tiempos) y que se trata de dos 'libros de texto' utilizados en Hogwarts como materiales académicos. Animales Fantásticos y Dónde Encontrarlos, escrito por Newt Scamander es una enciclopedia de criaturas fantásticas que habitan en el mundo de los magos y a los que Newt describe incluyendo datos curiosos sobre los mismos así como su nivel de peligrosidad.

Con base en este libro de texto e intrigada por el persona de Scamander es que Rowling decidió desarrollar lo que sería su primer guión cinematográfico (tras que Warner se lo sugiriera quizá desesperadamente intentando continuar el lucrativo negocio que fue la franquicia original de Potter). Tengo que decir que el resultado es bastante bueno.

Animales Fantásticos y Dónde Encontrarlos nos introduce a Newt Scamander (el siempre adorable Eddie Redmayne) un excéntrico e introvertido hechicero que realiza su primer viaje a Estados Unidos decidido a continuar su noble cruzada de investigación y preservación de las distintas especies mágicas que se encuentran amenazadas y perseguidas ante el temor del mundo mágico de que revelen la existencia de la magia a los muggles (no-mag en América). Ahí se ve inmiscuido con Jacob Kowalski (Dan Floger), un muggle torpe pero de buen corazón al que revela el mundo mágico lo que provoca la persecución de la antigua aurora Tina Goldstein (Katherine Waterston) ante el absoluto desinterés de Percival Graves (Colin Farrell), jefe de seguridad mágica que se halla más interesado en una serie de misteriosos ataques mágicos que ponen a Nueva York ante el riesgo de revelar la existencia del mundo mágico.

A últimos tiempos, J.K. Rowling se ha vuelto mucho más vocal y definida en sus distintas posiciones políticas y sociales. Sus últimos trabajos además de sus decenas de declaraciones son prueba de ello. Animales Fantásticos y Dónde Encontrarlos (al menos en mi interpretación) tiene dos intenciones temáticas muy claras: el respeto y protección de los seres vivos y la libertad que todos los seres humanos deben gozar para expresar todas y cada una de sus características, ideas y rasgos.

La primera es realmente hermosa no sólo por lo visualmente deslumbrante que resulta la creación de tan diversas y magníficas criaturas, sino por la pasión y entrega que Rowling le imprime a Scamander respecto a su razón de vida que es el cuidado y protección de los animales fantásticos (que terminan siendo una alegoría de los animales reales). La cinta en ese aspecto es una carta de amor a la protección animal y un poderoso mensaje respecto a la necesidad de preservar todas y cada una de las especies animales y no sólo las bonitas o simpáticas, aunque esas sean las que roben cámara. La principal razón por la que termine apreciando mucho a Newt no fue sólo por tu torpeza e inteligencia encantadoras sino por el amor con que este realiza su trabajo de preservación.

La segunda temática por otro lado está muy presente en la trama respecto a los misteriosos ataques que Nueva York sufre (aquí empiezan los spoilers) y que tienen que ver realmente con un Obscurus, una oscura, violenta y agresiva fuerza mágica que surgía cuando jóvenes magos eran forzados a ocultar sus poderes. Aunque se creía extintos a los Obscurus, al menos en América, el motivo de los misteriosos ataques resulta ser un Obscurus perteneciente a Credence Barebone (Ezra Miller) un joven tímido y reservado que fue adoptado por una abusiva y violenta mujer que lidera un grupo extremista dedicado a cazar y matar brujas y magos (básicamente, la causante del trauma de Credence). El Obscurus de Credence además resalta dado que no se tenía registro de un portador tan grande, pues Credence debe andar cuando menos en los dieciocho años, mientras que usualmente los portadores morían mucho más jóvenes.

A veces se acusa a la comunidad LGBTQ de querer volver todo gay (e incluso uno como gay se pone a pensar si no estará haciendo sobreinterpretaciones o lecturas del caso) pero realmente no puedo dejar de sentir o ver la metáfora construida por Rowling en la cinta y con la que es fácilmente identificarse. Cuantos casos no conocemos de personas que niegan su verdadera orientación sexual o identidad de género debido a que su propio ambiente social los fuerza a negarlo y terminan explotando u odiando su vida debido a su incapacidad de encontrar su felicidad en la cárcel que ellos mismos ayudaron a construir. Seguramente la alegoría tiene interpretación en otros campos, pero al menos en este, tan cercano a mi, así lo percibí y sobra decir que lo amé. Rowling ha sido

A nivel de guión la película en general es muy buena y fluye bastante bien. Tiene el pequeño problema de que al ser una historia origen tiene que lidiar con la presentación de los personajes a la vez que cuenta la historia que necesita contar (y además debe hacer malabares con las semillas que busca plantar a futuro). En un libro de trescientas paginas este puede resultar más pulido o sencillo que en una cinta de dos horas pero Rowling sale bastante bien librada aun y cuando deja algunas líneas argumentales sin explotar del todo, es muy clara la intención argumental maestra que rige la saga (básicamente esto va a terminar siendo el gran y famosos enfrentamiento entre Albus Dumbledore y Gellert Grindewald, el mago oscuro más poderoso que haya existido antes de Voldemort) y queda una ligera sensación de que todo el asunto de las criaturas no tiene mucho a donde ir respecto de a donde va la trama (aunque el Obscurus, al ser una criatura logra atajar este aspecto).

Respecto de las actuaciones, no puedo más que seguir elogiando al genial Eddie Redmayne por la manera tan genial en que borda a Scamander. Aunque su participación es más breve Ezra Miller hace un fantástico papel como Credence. Menciono ambos personajes ya que son bastante prototípicos en la obra de Rowling, el primer es un rechazado y exiliado por excéntrico y diferente que tal como Harry logra encontrar su felicidad al rodearse de personas que le muestran amor incondicional y el segundo es un abandonado y desafortunado de final trágico pues el mundo tarda demasiado en darle un respiro (como el personal de Krystal en Una Vacante Imprevista). Katherine Waterstone está muy bien como Tina Goldstein pero es Alison Sudol como su irreverente y tierna hermana Queenie quien se roba la película con su gran corazón lo mismo que Dan Fogler como el aspirante a panadero Jacob Kowalski. Colin Farrell cumple como el villano Graves aunque la verdadera revelación viene con Johnny Depp que promete bastante como Gellert Grindewald.

David Yates, quien dirigió las últimas cuatro películas de la saga de Harry Potter, repite como director en esta entrega y lo hace bastante bien. A diferencia de su incursión en la saga de Harry, aquí toma un tono más desenfadado y relajado así como una fotografía mucho más colorida y vibrante. El diseño de  producción se mantiene soberbio como siempre, regalándonos no solo decenas de animales maravillosos sino un paisaje neoyorkino de los veinte muy genial así como un mundo mágico estadounidense muy interesante.

Animales Fantásticos y Dónde Encontrarlos es una magnífica adición al mundo mágico de J.K. Rowling que demuestra una vez más la inagotable y encantadora mente creativa de su autora a la vez que nos regala todo un mundo nuevo de personajes, aventuras y emociones, y que además promete expandir ese universo que tanto amamos. Al menos como Potterhead, la amé muchísimo y no puedo esperar por las secuelas. Ojalá el resto del público le de esa misma oportunidad.

Y en la próxima madeja: Review de Moana, un mar de aventuras.

domingo, 30 de octubre de 2016

Doctor Strange: Hechicero Supremo

La Madeja del Gato (mágica y mística)
Madeja #340
Por Christopher Vergara

A estas alturas de su impacto en la industria (aunque apenas sean ocho años) Marvel Studios nos tiene más que acostumbrados a asombrarnos y mostrarnos que los conceptos más descabellados, obscuros o alocados pueden ser llevados a la pantalla grande, integrarse en su universo cinematográfico y hacer que las audiencias del mundo se enamoren de ellos. Doctor Strange: Hechicero Supremo es una prueba más de ello.

Basado en el relativamente popular personaje creado por Stan Lee y Steve Ditko en las páginas de Strange Tales #110 de 1963, Doctor Strange nos presenta la vida de Stephen Strange (Benedict Cumberbatch) un neurocirujano de gran prestigio, talento y ego que por realizar una acción estúpida (conducir a alta velocidad sin precaución) sufre un accidente que lo deja incapacitado de sus manos para retomar su profesión. Desesperado y derrotado ante la ausencia de respuesta en la ciencia, busca respuesta y llega al templo de Kamar-Taj en Nepal, donde conoce a La Antigua (Tilda Swinton) quien lo introduce a un multiverso completamente desconocido para el pero para el que tiene talento natural y que lo lleva a enfrentar a una de las más grandes amenazas que la Tierra jamás ha enfrentado.

A nivel de adaptación, Marvel tenía una oportunidad similar a la de los Guardianes de la Galaxia, ya que el personaje al ser relativamente desconocido (o completamente desconocido en el ámbito mainstream) se prestaba a realizar modificaciones o actualizaciones. A decir verdad, salvo muy afortunados cambios en los personajes de La Antigua y Wong (Benedict Wong), la historia es bastante fiel al origen del personaje y a su esencia. Si, quizá el Strange arrogante y refinado recuerda un tanto a Tony Stark pero el personaje siempre ha manejado elegancia y un cierto grado de soberbia debido a su rol preponderante como Hechicero Supremo.

Pasando a la cinta en si, la verdad es una magnífica cinta. El guión a cargo de Scott Derrickson (que también dirigió la cinta y es reconocido como el director de El Exorcismo de Emily Rose) así como C. Robert Cargill (escritor de la cinta de terror Sinister y su secuela) es muy bueno tanto como historia de origen como la otra virtud magnífica que tiene la cinta. Así como los Guardianes de la Galaxia nos presentaron el vasto universo que existe fuera de la Tierra, el Doctor Strange nos lleva aún más allá, pues nos presenta el multiverso Marvel en su área de magia y misticismo. Hasta ahora conocíamos bastante bien el lado científico, espacial y hasta mitológico de Marvel pero no conocíamos el lado de la magia, uno que esta muy presente y donde Strange resalta debido a su rol preponderante como el amo de las artes místicas.

Como dije, el guión sirve como historia de origen tanto para el personaje como para la magia de manera muy afortunada. La historia es bastante orgánica y fluye bastante bien, y cuando el mundo real (o la vida neoyorkina de Stephen) se mezcla con sus aprendizajes místicos es francamente delirante (la escena en el hospital no sólo es emocionante sino desternillante). La cinta a pesar de que no nos restriega que forma parte del Universo Marvel si nos regala detallitos por aquí y por allá que nos reafirman la cohesividad narrativa que ha logrado construir el estudio (el final obviamente completa esto).

La dirección de Derrickson junto con la fotografía de Ben Davis son bastante buenas. Es bastante genial el universo visual que construyeron ambos con su equipo creativo para recrear todo el universo mágico de la cinta. Desde los poderes básicos que aprende Strange (como la teletransportación o convocar armas y escudos) hasta la descomposición de los espacios físicos (que son un tanto Inception) pasando por el Ojo de Agamotto y hasta llegar al delirante enfrentamiento con Dormammu y su universo donde vive es muy espectacular.

Pero esa parte de la dirección sería inservible si no supiera dirigir actores y esa parte es la que cierra una película tan redonda. Benedict Cumberbatch es perfecto como Stephen Strange no sólo porque físicamente es la encarnación visual del personaje sino porque es (aunque eso ya lo sabíamos) un elocuente y glorioso actor que sea en comedia, en drama, en humildad o en acción es perfecto. La forma en que se apropia del personaje es genial. Rachel McAdams como Christine Palmer (otro oscurísimo personaje integrante del trio Night Nurse que empezamos a conocer por Rosario Dawson en las series de Netflix) es un personaje mucho más periférico pero bastante afortunado.

Tilda Swinton es la otra actriz que se lleva si o si las palmas. Su interpretación de La Antigua es francamente genial. Mostrando las complejidades, maldiciones y bendiciones de ser la Hechicera Suprema a la vez que es una gentil y humilde instructora es genial. Swinton logra conjuntar todas estas características tan disímbolas y a la vez tan ricas. Chiwetel Ejiofor como el estoico y rigido Mordor promete bastante mientras que Benedict Wong como el asistente de Strange, Wong, es una agradable sorpresa no sólo por el afortunado giro dado al personaje respecto de los cómics (donde es más un mayordomo que otra cosa) y se presenta como una mano derecha sabia y poderosa.

Finalmente Mads Mikkelsen como Kaecillius, el villano humano de la cinta esta bastante bien. En general se puede decir que sufre el mismo tipo de problemas que otros títulos de Marvel donde sus motivaciones son algo flojas (en este caso es un desprecio a la muerte y una búsqueda de la vida eterna) pero en general cumple. Eso si, Dormammu es mil veces más genial.

El texto que maneja el guión con algunos toques de filosofía budista y oriental es bastante bueno. En realidad el villano de la cinta no termina siendo Kaecillius o incluso el propio Dormammu, sino la naturaleza humana del propio Stephen Strange que puede seducirlo a dejarse dominar por su ego y afán controlador y llevarlo por un camino de destrucción como el de Kaecillius (con la diferencia de que Strange tiene poderes naturales mucho más poderosos). En ese sentido las reflexiones que tiene Strange con la Antigua (que de alguna forma le brindan la brújula moral correcta para actuar en el momento adecuado) son muy interesantes y ciertas, pues cuando eres un controlador y obsesivo por naturaleza tienes que aprender a dejar que las cosas sucedan y aun cuando no te guste como se van presentando, administrarlas y actuar buscando el mejor resultado y tomando la mejor actitud.

Doctor Strange es una magnífica adición más al universo cinematográfico de Marvel. Una película divertida, emocionante y bien construida que muestra, a diferencia de otros estudios, que Marvel tiene muy claro lo que hace y como hacerlo. Le amé. Intenso.

En la próxima madeja: Los resultados de la elección estadounidense.

lunes, 24 de octubre de 2016

Demi Lovato: Future Now Tour

Querida Demi:

Haciendo cuentas, he tenido la genial oportunidad de verte cuatro veces en vivo. De hecho en este blog constan esas cuatro reseñas y nos hemos visto cada dos años. En 2010 en tus últimos días en Disney, en 2012 cuando apenas te encontrabas dando sentido a tu vida y recuperandote de momentos difíciles, en 2014 cuando venías irreverente y llena de energía y ahora en 2016, cuando nos presentas tu yo más seguro, confiado y empoderado. (Y de hecho las cuatro veces en recintos distintos, Foro Sol, Auditorio Nacional, Arena Ciudad de México y esta vez en el Palacio de los Deportes, ahora te toca repetir).

Confident, tu quinta producción discográfica quizá no sea mi disco favorito. Amo locamente Demi porque es mucho más pop energético como a mi me gusta. Pero es una maravillosa producción, es una genuina y honesta colección de momentos que nos habla de una mujer madura, que si bien sigue encontrando retos también sabe donde hallar su fuerza para seguir adelante. Son trece magníficos temas que además incluyen un par de joyas deliciosas que comentaré más abajo.

Tu nunca te has caracterizado por realizar shows muy largos o muy producidos. El Future Now Tour que trajiste a México confirmó eso una vez más. No sólo porque la promotora sólo se trajo a ti y no también a Nick Jonas con quien hiciste el tour en Estados Unidos, sino porque además no alcanzó para la súper pantalla y escenario que traías en el tour de allá. Aunque nunca es chido, de alguna forma estoy acostumbrado a que los shows a México lleguen algo incompletos.

Pero contigo eso no hace falta. Ya que tu llenas el escenario con tu enorme talento, entrega y voz. También eres de shows cortos porque no hablas mucho, cambias de vestuario o así, pero jamás es necesario. Que entregues con tal potencia y energía tu voz es magnífico, traes una banda (de tecladista, baterista, dos guitarristas y dos coristas) muy talentosa y genial y un deslumbrante y ese si, muy espectacular juego de luces.

Pero más allá de los aspectos técnicos, lo que siempre deslumbra en tus shows es tu talento y calidad interpretativa que a uno lo deja anidado. Desde el set inicial donde arrancas con la delirante Confident, un tema que te muestra como una mujer empoderada, fuerte e independiente uno sabe que esta frente a un artista en toda la extensión de la palabra. Una mujer que más que los reflectores y la fama, más que la producción y la circunstancia, se entrega a través de su música y esa conexión única e irrepetible que forma con sus fanáticos en cada concierto.

De ahí te sueltas con una cadena de grandes éxitos. La inmejorable Heart Attack, Neon Lights que siempre nos posee a todos y nos pone a bailar así como la traviesa Fire Starter. Luego las cosas se ponen más lentas y llega For You, una potente pero muy romántica balada, seguida de Got Dynamite, uno de tus títulos más clásicos (es una pena que sea el único tema que cantaste de tus dos primeros discos).

Seguirían otros temas, algunos como Body Say o My Love is Like a Star que no me mueven tanto, y otros como Nightingale que son mágicos para mi y hubiera deseado que cantaras completo. Incluso te diste tiempo, haciendo honor a Koleston que patrocinó tu concierto de interpretar Girls Just Wanna Have Fun al lado de Paulina Rubio que nada más no da una en eso de la cantada. Se que son grandes amigas pero enserio se vio un momento incómodo.

Pero antes de Paulina, llego un momento que realmente hizo melaza y miel mi corazón. Verás, estas últimas semanas tuve algunas situaciones emocionales algo interesantes que me tuvieron entre triste y feliz (sappy, es la palabra más apropiada y jamás creí estar así del corazón). Y cantaste Lionheart. Y me hiciste pudín de amor.

Lionheart es MI tema favorito del disco. Es una canción con una letra hermosa y que tiene un significado muy profundo. Tengo entendido que tu la interpretas en honor a un perrito tuyo que falleció hace poco, pero a mi me habla a muchos niveles pues es una letra que habla del amor puro y duro que recibimos no sólo de la pareja, sino de la familia, los amigos, el mundo y que te impulsa a vivir, a tener la energía, a sentir que tienes el corazón de un león. Y que nada puede derrotarte. Con apenas tres minutos de una interpretación llena de vida, energía y amor, me empoderaste y transformaste toda la tristeza en energía, ya que me recordaste todo lo demás que existe y por lo cual vale la pena reír, disfrutar y seguir.

Es obvio que cuando tuviste una secuencia de canciones de empoderamientos como Old Ways (otro grandioso tema del disco actual), la fantástica y balsámica Give Your Heart a Break así como ese himno de renacimiento que es Skyscraper básicamente me tenías en la lona y en un éxtasis emocional que no comprendí muy bien hasta días después. Jamás había cantado con tanto ímpetu el 'I will be rising from the ground, like a skyscraper...'.

No es que me encontrara en la absoluta depresión o me sintiera solo y en la oscuridad. Exageraría o mentiría si dijera que así me hallaba. Sin embargo, me encontraba insatisfecho con algunos aspectos de mi vida (que también siempre me han perseguido, cabe decir) y tu me ayudaste a bajarle un poco a la intensidad y verlos como lo que son. Realidades que debo aceptar y vivir pero que pueden cambiar eventualmente y que tampoco arruinan todos los otros aspectos de mi vida que van bastante bien. En ese sentido, me diste un muy bonito apapacho.

En muchas formas, mi querida Demi, hemos crecido juntos. Con los años, hemos alcanzado estados ciertamente satisfactorios de vida, sin olvidar que siempre hay fantasmas que nos persiguen e intentan derribar así como que la vida siempre pone nuevos retos y pruebas. Sin embargo, también hemos pasado por algunos recorridos que nos han llevado a ser quienes somos, y de muchas formas a saber que tenemos la fortaleza y energía para que nada nos detenga o derribe.

Esa noche del 16 de octubre de 2016, recordé porque siempre digo que eres mi pastor. No sólo porque apoyas a Hillary Clinton desde el principio, porque eres honesta con tus problemas o porque apoyas los derechos LGBTQ. Sino porque siempre te has sabido levantar ante las adversidades, siempre has sabido encontrar el camino de paz a un corazón roto y siempre has buscado cómo compartir historias que nos mueven a miles.

Durante hora y veinte minutos (de las 19:32 a las 20:48 horas, para que quede el registro), recordé que siempre hay que levantarse del suelo como un rascacielos, tener el coraje en el corazón de un león, buscar al ruiseñor que nos ayude a ver en la oscuridad y nunca dejar de buscar regalarle aunque sea un pequeño alivio a un corazón.

Gracias Demi. Te adoro. Hasta la próxima.

Setlist:
  1. Confident
  2. Heart Attack
  3. Neon Lights
  4. Fire Starter
  5. For You
  6. Got Dynamite
  7. Body Say
  8. Wildfire
  9. My Love is Like a Star
  10. Fix a Heart
  11. Nightingale
  12. Warrior
  13. Lionheart
  14. Girls Just Wanna Have Fun (con Paulina Rubio, XD)
  15. Old Ways
  16. Yes
  17. Stone Cold
  18. Give Your Heart a Break
  19. Skyscraper
  20. Cool for the Summer
Y en la próxima madeja: review de Doctor Strange.

martes, 20 de septiembre de 2016

Mi Amigo El Dragón

La Madeja del Gato (es un faro en el agua)
Madeja #338
Por Christopher Vergara

En 1977 Disney estrenó Pete's Dragon (Mi Amigo el Dragón),  la tercera producción en trece años que combinó acción viva y animación y que intentaba emular el éxito obtenido en 1964 por Mary Poppins. La década de los setenta no fue una buena época para el estudio, pues las muertes de Walt Disney en 1966 y Roy Disney en 1971 representaron un duro golpe para el impulso creativo y financiero de la compañía. Es una época llamada el '¿Qué haría Walt?' pues el mantra de quienes dirigían el estudio (encabezados por Ron Miller, yerno de Walt) era aprobar y producir proyectos que Walt Disney hubiera aprobado en vida.

En ese sentido, Mi Amigo El Dragón es una cinta muy clásica en la vena de las comedias de acción viva de Disney (lo cual quizá para 1977 no era exactamente lo que el público quería pero Disney estaría en ese marasmo creativo al menos unos siete años más). La cinta relata las aventuras de un niño huérfano y su único amigo, el dragón Elliot (animado bajo la dirección de Don Bluth) presentando el revuelo que causan al llegar a un pueblo conservador y chocante, donde encuentran refugio y afecto con el guardián de un faro y su hija a la vez que huyen de una banda de forajidos hillbillys (¿existe una traducción para este término?) que sólo buscan a Pete para ponerlo a realizar trabajos pesados e impropios de un niño.

La cinta original de 1977 es una comedia blanca, muy inocente, cargada de canciones (incluyendo la nominada al Oscar, Candle on the Water) y situaciones algo absurdas pero ciertamente encantadoras. Fue una cinta que en su estreno original no alcanzó mucho éxito pero que gracias a las incontables repeticiones y su lanzamiento al mercado de video logró generar una base de fanáticos bastante consistente, en especial de niños que durante la década de los ochenta crecieron viendo una y otra vez la cinta. Por otro lado, y aunque sea difícil de admitirlo, es una cinta que no envejeció exactamente bien. A diferencia de sus cintas animadas, las comedias de acción viva de Walt (y las que se realizaron inspiradas en su gusto creativo) no envejecieron bien, salvo contadas excepciones. No sólo porque la estética y la fotografía revelan inmediatamente su fecha de fabricación, sino porque su tratamiento del guion, su comedia y su ritmo responden a otros tiempos, y difícilmente logran conectar con las audiencias actuales.

No es una mala cinta, aunque no alcanza los niveles de virtuosismo y grandilocuencia de Mary Poppins (que si envejeció de maravilla, prueba vital de que se trata de LA obra maestra de Walt Disney) es bastante encantadora, tierna y amigable. Su comedia es un tanto inocente y quizá provoque sonrisas más que risas, pero en general para un cinéfilo aficionado a la obra de los estudios Disney es una cinta indispensable.

Por ello no resulta nada extraño que Disney, dentro de su reciente tendencia a adaptar a la modernidad sus clásicos inmortales haya elegido Mi Amigo El Dragón, es una historia con mucho potencial tanto argumental (es la fabula de almas perdidas que logran encontrarse y formar una familia) como visuales (El Elliot animado era sumamente encantador pero los actuales efectos CGI ofrecen otras posibilidades en pantalla).

Para esta cinta, Disney eligió a David Lowery, un director reconocido por el éxito de Sundance en 2013 Ain't The Bodies Saints con Casey Affleck y Rooney Mara, mientras que el guión lo encargó a al mismo Lowery junto con su socio de años Toby Halbrooks. La intención de Disney fue reinventar este clásico de Disney, trayéndolo a la época actual como un drama fantástico, lo cual incluyó eliminar los elementos musicales y reducir los niveles de comedia.

La nueva Mi Amigo El Dragón nos cuenta la historia de Pete, un niño que pierde a sus padres a los cinco años en un accidente automovilístico en el bosque en donde conoce a un dragón al que bautiza como Elliot y que se encarga de cuidarlo y procurarlo por los próximos seis años. Elliot y Pete viven tranquilamente en el bosque hasta que los avances de la tala forestal acercan a la guardabosques Grace Meacham (Bryce Dallas Howard) a la zona donde vivían Elliot y Pete descubriendo a este último, a quien contra su voluntad, sacan del bosque para llevarlo al pueblo donde viven, esperando encontrarle un hogar. En el inter, conocerá las historias que Pete le cuenta respecto a Elliot, un dragón que coincide con los relatos que su padre (Robert Redford) llevaba años contando y que Grace consideraba historias para niños.

La nueva versión de Mi Amigo El Dragón es bastante fiel a la esencia de la cinta original en el sentido de que retoma muchos elementos en aquella cinta. No sólo tenemos a Elliot y Pete, sino tenemos a una mujer que al principio cree que Elliot es un amigo imaginario y que tiene un padre que jura haberlo conocido. Tenemos a Elliot siendo perseguido por gente que quiere explotarlo y mercantilizarlo e incluso tenemos una escena de Ellito encerrado en un granero.

Pero más allá de estas similitudes, la cinta tiene bastantes aciertos propios. En principio presenta un mensaje muy bonito y discreto de respeto al medio ambiente y al equilibrio ecológico. También nos presenta una versión más realista de Elliot, el cual sigue siendo adorable y tierno pero a la vez puede ser más amenazador y misterioso. El rol de la mujer/madre adoptiva de Elliot es más acorde con la mujer actual y es una guardabosques proactiva, independiente y fuerte (con todo y que la cinta esta situada en la década de los ochenta, mientras que la original se situaba a principios de siglo). Las amenazas también son mucho más sutiles y realistas, aquí no existe una chusca familia de hillbillys (que además creo es ya políticamente incorrecta) o un estafador disfrazado de magia sino un avaricioso talador de árboles y una inepta e incrédula policía. Finalmente, la temática del libro de cuentos infantiles sobre el perro Elliot que pierde a su familia (de ahí saca Pete el nombre de Elliot) que además sirve como metáfora de lo que vive el niño es un toque bastante lindo y conmovedor.

Creo que lo que más me gustó de la cinta fue el final que es mucho más apropiado y bonito. En la cinta original, Pete encuentra una familia y Elliot se despide porque debe partir a ayudar a otro niño. En esta versión, ante un verdadero revuelo local, Elliot y Pete deben separarse, Pete es adoptado por Grace y su prometido mientras que Elliot migra a otras tierras donde eventualmente encuentra a su familia de dragones y viven juntos. Lo he de admitir, los últimos diez minutos de la cinta me sacaron hartas lágrimas de felicidad.

La cinta en general fluye bastante bien, aunque el inicio tarda un poco en arrancar (la secuencia de introducción donde conocemos el origen de Pete es fantástica, pero de ahí hasta que el conflicto surge la cinta es un poco lenta) y se agradece el tratamiento que aunque nunca dejar de ser fantástico y mágico (esa magia que señala el personaje de Robert Redford la siente uno como espectador) es algo místico, un tanto realista (o serio, no se cual sea el término apropiado) y muy lindo.

Mi Amigo el Dragón es una cinta que valida la estrategia de Disney de reinventar sus clásicos, brindándole nueva vida a una historia clásica y que posee mucho potencial entregando una historia conmovedora, divertida, enigmática y llena de vitalidad y sentimiento que hace honor al clásico que adapta a la vez que le brinda vida y esencia propia. Si Disney va a seguir reinventando sus clásicos de esta manera, son más que bienvenidos.

Y en la próxima madeja: Review de Mike y Dave: Los Busca Novias.

lunes, 15 de agosto de 2016

El Buen Amigo Gigante

La Madeja del Gato (que no come pepinascos)
Madeja #137
Por Christopher Vergara

Hace siete años, Disney y Steve Spielberg formaron una alianza estratégica para relanzar DreamWorks Studios, el otrora gran estudio de Spielberg, Jeffrey Katzenberg y David Geffen que para entonces ya no tenía ninguna relación con su parte animada y era sólo un membrete reiniciando de cero y financiado por un grupo de capitales de la India. Los planes de Disney y Spielberg eran grandes y elocuentes y aunque tuvieron dos que tres grandes golpes como The Help y Lincoln la verdad es que la alianza nunca terminó de cuajar básicamente porque Spielberg no logró mantener una producción constante de cintas, las producciones realizadas en su mayoría fracasaron en taquilla y la compañía vivió un día si y otro no en el borde del fracaso financiero. Eso, además de que Disney compró cosas como Marvel y Lucasfilm que casi extinguieron su interés en producir cintas de acción viva enfocadas a las audiencias adultas.

El año pasado se anunció lo inevitable, ya que DreamWorks logró una nueva reestructuración financiera y decidió terminar su relación con Disney anunciando su regreso a Universal (que siempre ha sido como la casa de Spielberg). Como parte final del contrato con Disney se anunciaron dos proyectos para este año, los últimos distribuidos por Disney, uno de ellos, dirigido por Spielberg, producido por Kathleen Kennedy, basado en una novela de Roald Dahl y que llevaría el sello Disney siendo la primer colaboración formal entre el reconocido director y el estudio del Ratón. Hablo claro de The BFG.

The BFG (El Buen Amigo Gigante) nos cuenta la historia de Sophie (Ruby Barnhill), una niña huérfana de 9 años que vive odiando su vida en el orfanato hasta que una noche deambulando debido a su insomnio conoce a un gigante que decide raptarla y llevarla a la Tierra de los Gigantes. Dicho gigante (Mark Rylance en un muy efectivo trabajo de motion capture) resulta ser no sólo inofensivo, sino bondadoso y gentil y rápidamente se forma una amistad donde Sophie conocerá más de la vida incluyendo que sufre bullying a manos de otros gigantes que lo consideran una deshonra por ser más enano y su trabajo como cazador y soplador de sueños.

Como muchos de los trabajos infantiles de Roald Dahl (autor de Matilda, Charlie y la Fábrica de Chocolate y James y el Duranzo Gigante), The BFG tiene como tópico central el de una niña huérfana que no encuentra su lugar en el mundo debido a sus excentricidades y que tras un periodo de infelicidad conoce la felicidad y encuentra su lugar en el mundo gracias a que conoce a algún adulto bueno y gentil. Estos elementos se encuentran muy presentes en el trabajo de Dahl y se conservan de forma integra en la cinta.

De alguna forma es difícil no sentir empatía por los personajes de Dahl ya que todos en algún momento nos hemos sentido solos e infelices y hemos soñado con tener un amigo extraordinario y mágico que nos salve o ayude. Esta temática y capacidad de empatía en la obra de Dahl es sin duda lo que la ha vuelto tan exitosa y es fantástico que se haya mantenido en la novela.

Lo que quizá no me deja tan satisfecho es la ejecución. El tercer acto (donde el BAG y Sophie acuden al Palacio de Buckingham a pedir ayuda a la Reina para derrotar a los gigantes) se siente bien raro y desentona con el ritmo y construcción que lleva la cinta. Entiendo que así es la historia pero el cambio se siente brusco y extraño, ya que la cinta construye una narrativa muy calmada y mística así como solitaria durante los primeros dos actos y esa se rompe con el tercer acto. Aunque debo reconocer que es en este acto donde la cinta regala lo que es básicamente su mejor escena. Jamás pensé que una escena de gases me causara tanta risa pero se encuentra tan bien construida y filmada que me tuvo riendo a carcajadas unos cinco minutos.

Por otro lado (y esto si es totalmente achacable a Spielberg) el ritmo de la cinta es bien raro. La cinta se mueve de forma bastante lenta e incluso se torna un poco aburrida entre que Sophie llega a la Tierra de los Gigantes tomando energía hasta que el BAG lleva a Sophie a atrapar sueños. Creo que esa es la razón por la que la cinta le fue bastante mediocre en taquilla (costó 150 MDD y apenas lleva como 53 MDD en Estados Unidos). Su ritmo no es atractivo para los niños de hoy en día, si yo como adulto que soy más tranquilo por momentos me desatrapó, no me imagino como la sentiría un niño.

No alcanzo a dilucidar si eso sea bueno o malo. (Quizá las nuevas generaciones estén mal y Spielberg esté bien) pero me queda claro que no conectan. Y ese es el problema de la cinta. Aunque tiene ideas y secuencias muy hermosas (toda la parte de la caza de sueños es delirante y quizá merecía más abordaje) tarda mucho en llegar ahí, pues realiza todo una introducción algo larga y excesivamente tranquila. Como dije, el tercer acto desentona de forma notable pero no es malo, aunque el final me pareció ciertamente cuestionable (si, los Gigantes comían humanos, pero llegar y sacarlos de su hogar cuando estaban durmiendo en base al temor de que comieran niños (cuando tenían muchos años de no hacerlo) y exiliarlos en una isla lejana a que coman pepinos no me pareció la resolución más moralmente aceptable).

Fuera de estos problemas que posee, la cinta es ciertamente buena. Mark Rylance y Ruby Barnhill forman una relación entrañable y linda y la mayor parte de la cinta donde solo interactúan los dos (que es como dos terceras partes de la cinta) está bastante bien construida y actuada. El resto del elenco (los gigantes malos, la Reina, sus asistentes) son muy secundarios pero en general está bien.

El Buen Amigo Gigante es una cinta algo rara. No se si sea para todo público y tampoco me conmovió de sobremanera pero en general esta bien. Es bonita la mayor parte de su tiempo y te deja un buen sabor de boca. No es la cinta más memorable de Spielberg para llevar la carga de ser su primera (y quizá única) co-producción con Disney pero en general es eficiente y agradable.

En la próxima madeja: Escuadrón Suicida.